du 8 juin au 20 juillet 2017

Vernissage le jeudi 8 juin 2017 à 18h30, en présence de l’artiste

” Promeneur solaire, Christian Poncet fait entrer par un trou d’aiguille les bords des lacs, la lumière et les ombres, toute une géométrie sensible et de petits personnages vibrants.
Puis de la chambre « obscure », patiemment, il fait naître une flopée d’images que l’on contemple comme un songe d’éternité. “

Marie Noëlle Taine

« D’un rivage à l’autre »

Ce matin, comme tant d’autres depuis deux ans, je prends ma voiture et suis la petite route sinueuse, à l’affût d’un bout de plage, ou d’un petit port qui jalonnent, çà et là, les cent soixante-dix kilomètres de rives du lac. Mes arrêts sont fréquents et un rien m’émerveille : ce vieux ponton délabré, une barque parfaitement immobile sur une eau sans ride, ou un plongeoir dressé au–‐dessus du lac. Parfois, un riche propriétaire m’ouvre sa porte et m’autorise à poser ma « boîte » sur son ponton « privé ».

Les sujets ne manquent pas mais je dois économiser mes vingt négatifs logés dans de lourds châssis en bois fragiles et usés. Pas question de mitrailler, la camera obscura exige du temps, de la lenteur en parfaite harmonie avec ce paysage tranquille et la langueur légendaire de cette région. Le trépied est maintenant calé sur les rochers et je m’applique à trouver la bonne inclinaison de la chambre –‐ sans viseur, l’opération est périlleuse et le cadrage hasardeux ! L’obturateur est maintenant ouvert et je vais devoir attendre, fébrile, pendant de longues minutes, en priant que rien ne vienne anéantir l’immobilité de la scène. Soudain, un cygne entre dans le champ et glisse doucement sur l’eau. Je ne lui en veux pas car je sais pertinemment que mon sténopé l’ignorera.

Sur le chemin du retour, je me remémore les vingt prises, partagé entre l’angoisse et l’impatience qui se dissiperont une fois seulement dans la pénombre de la chambre noire. Là, le processus de création va se poursuivre et les trois ou quatre images retenues seront « travaillées », « manipulées » jusqu’à ce je retrouve, couchées sur le papier, la sérénité de ce « moment décisif », l’empreinte du temps que seul le sténopé sait enregistrer et nous faire partager.

Demain, je repartirai et continuerai cette lente aventure.

Christian PONCET, Mars 2010

du 9 mars au 25 avril 2017

Vernissage le jeudi 9 mars 2017 à 18h30, en présence de l’artiste

Along the road : on the sidelines of the Tour de France

” Mr. Cipriani does not really consider his series to be about the Tour de France, or its supporters.
Last year was the 100th anniversary of the race, and he wanted to take a portrait of France that conveyed a particular point in time. He likens his project to a series of pictures taken by the photographer Paul Fusco when he rode the train bearing the body of Robert F. Kennedy to Washington from New York in 1968 and turned his camera on the crowds that gathered to watch it pass. “

In New York Times –‐ Lens blog, « On the Sidelines of the Tour de France », July 2014

J’ai fait cette photo pendant le tour de France 2013. C’était la troisième fois que je suivais le tour pour l’agence AP, à l’arrière d’une moto. La première, j’avais été frappé par le monde dans la rue : des supporters, mais aussi des curieux qui sortent de chez eux juste pour voir. Personne ne faisait attention à moi, les gens étaient concentrés sur le tour. Ce monsieur est mystérieux, je ne sais pas ce qu’il regarde…
J’ai l’impression d’avoir saisi un moment suspendu.

Laurent Cipriani, in 6 Mois –‐ Les dessous de l’image, “Un moment suspendu”, Juin 2014

____________________________________________________________________________________

Manifestation associée :

à l’ Enssib  :
Sur mes terres – Photographies de Robert Abraham

Dans cette série, la relation de Robert Abraham au paysage est singulière : toutes ces prises de vues ont été réalisées lors de périples, la plupart du temps en solitaire, dédiés initialement au sport : vélo, randonnée pédestre ou course à pieds. Ainsi certaines images proviennent d’un tour de France à vélo qu’il a effectué en solo il y a quelques années. Marathonien, il est coutumier de l’effort intense et prolongé. Il y puise une concentration particulière qui, selon lui, le conduit à une perception accrue des formes du paysage, des rythmes, des lignes et des couleurs…
À propos du titre de la série : les images sont puisées, pour la plupart, aux parcours familiers de ses terrains d’entraînement favoris, aussi éprouve-t‐il une proximité affective très forte avec ces lieux.

Ingénieur en physico-chimie à l’université Claude Bernard Lyon 1 pendant 25 années
et retraité depuis 5 ans, Robert Abraham pratique la photo depuis longtemps aussi bien en noir et blanc qu’en couleurs ; le paysage, au sens large, reste son territoire de prédilection.

du 19 janvier au 3 mars 2017

Vernissage le jeudi 19 janvier 2017 à 18h00, en présence de l’artiste

Projet réalisé lors d’une résidence artistique à Langage Plus, 
Centre d'art actuel d’Alma, Québec ; en collaboration avec le Centre Sagamie,
dans le cadre des programmes Map et PÉPINIÈRES IN NETWORKING 
des Pépinières européennes pour jeunes artistes,
Projet cofinancé par "Europe Créative" de l’Union européenne
et une bourse du Conseil des arts et des lettres du Québec.

Nord du Québec, région du Saguenay ‐Lac‐Saint‐Jean. Il faut bien habiter l’hiver.
Prendre son parti de tout ce blanc qui ne veut pas refluer.
Et comme on se jette à l’eau, se jeter dans ce froid qui ne pince même plus,
engourdi de lui‐même.
[…]
C’est à une balade sur ce territoire que nous convie Lucie Jean, qui suit sa propre trace émerveillée entre banquise rêvée et camping des flots blancs.
Manuel George

Couleurs du silence

Des paysages du Grand Nord photographiés par Lucie Jean,
on ne retient de prime abord que la forme de tableaux où de larges plages de couleurs claires se différencient par de subtiles tonalités. La blancheur des vastes étendues de banquise, ombrée par endroits, côtoie les masses grisées des nuages qui occultent partiellement un ciel bleu pâle.
C’est dans ce cadre qu’on dirait informel ou abstrait, s’il s’agissait de peinture,
que la photographie discerne des signes de présence humaine,
de petites habitations solitaires dans un désert de glace.

Les plans choisis par Lucie Jean, qu’ils soient éloignés ou rapprochés,
amplifient l’impression de silence qui règne autour de ces lieux de vie. Quand ils sont vus dans l’immensité des vallées glaciaires, ces édicules semblent inaccessibles comme le leurre des mirages
et ils forment de petites taches vives qui, contrastant avec l’uniformité froide du paysage,
intensifient l’effet d’une composition informelle. Quand l’objectif se rapproche
de ces macules perdues dans le fond clair, il révèle des abris aux allures les plus diverses :
une remorque reposée sur trois crics, une roulotte, un petit mobil-home surmonté d’une cheminée,
un wigwam, un appentis peint en bleu ou tout simplement une cabane faite de quatre planches.
Ces cahutes ne constituent pas un village ; elles marquent chacune leur place
par des couleurs chatoyantes dans la neige qui s’étend à perte de vue.

Lucie Jean a pourtant aligné et regroupé en colonnes ces maisons d’un autre monde
en utilisant un dispositif de présentation proche de celui de Bernd et Hilla Becher pour leurs photographies de bâtiments industriels. Mais tandis que les séries des photographes allemands mettaient en évidence la similarité typologique des édifices, les séries de Lucie Jean manifestent,
au contraire, la singularité de cet habitat aussi bien dans les matériaux employés
que dans les couleurs librement choisies par leurs propriétaires.
Rien ne se répète dans ces séries qui sont avant tout centrées sur un mode de vie.

La photographe a séjourné pendant deux mois d’hiver auprès des populations de la région du Saguenay-Lac-Saint Jean, où, chaque année, des familles ou des personnes solitaires prennent leurs quartiers d’hiver dans ces abris faits de bric et de broc. La « pêche blanche » qui se pratique à l’intérieur même de ces cabanes est l’occasion de cette migration. Tout le talent de Lucie Jean consiste à raconter cette histoire, à en produire un reportage à partir d’un cheminement esthétique remarquable.

Robert Pujade

____________________________________________________________________________________

Manifestation associée :

à l’ Enssib  :
Winter – Photographies de Jean Vannier

Les photographies de l’exposition Winter ont été prises au cours de promenades hivernales dans des environnements variés : le Queyras près d’Abriès, le parc de la Tête d’Or
ou les pentes de la Croix-Rousse à Lyon. Des atmosphères hivernales sont restituées grâce à une technique particulière de prise de vue. Le photographe utilise son appareil photo comme un pinceau de calligraphie pour balayer le paysage le temps d’une pause un peu longue.

Jean Vannier est paléontologue à l’université Claude-Bernard Lyon 1,
au laboratoire de géologie de Lyon “Terre, Planètes, Environnement”.

du 22 septembre au 24 novembre 2016

Café photo, en présence de l’artiste Julien Minard le 8 novembre de 13h à 14h à la Galerie Domus !

« Les photos ont été faites lors de voyages entre 2007 et 2016. 
J‘ai choisi, pour constituer cette série, des photographies qui évoquent l’idée d’absence, soit individuellement, soit de façon plus narrative dans leur rapprochement avec d’autres. 
Le titre provient du film du même nom de Kore-Eda. Cet auteur, parmi d’autres réalisateurs japonais, est une référence importante pour moi. 
Il se trouve que ce film traite aussi de la disparition,  et donc de l’absence. »

Julien Minard

Morceaux choisis du villégiateur

Au premier abord, la série Distance de Julien Minard déconcerte les amateurs de son œuvre habitués à ses périples à travers le monde et en Asie en particulier…

[…]

La diversité des sujets photographiés propose donc bien des instances de distanciation, mais la distance qui donne son titre à la série est d’une autre nature. Julien Minard prend soin, en photographiant un fjord, de saisir le miroitement complet de la vallée dans la mer, de manière à opposer la réalité et son image dans une seule et même vue. Ce reflet qui mène à l’image est la métaphore d’une distance avec lui-même, d’une prise de conscience que photographier ne consiste pas seulement à raconter le monde, mais à le représenter quand il s’est réfléchi à travers soi.
Les images choisies pour la série Distance ne nous révèlent  pas autre chose que ce secret : il faut parfois aller très loin, voyager beaucoup pour se trouver au-devant de l’image que l’on possède déjà en soi-même.

Robert Pujade

du 7 juin au 26 juillet 2016

Vernissage le jeudi 9 juin 2016 à 18h30, en présence de l’artiste

“Mirage” est une série d’autoportraits fantastiques et mouvants. L’être, rendu insaisissable par la longue pose, se métamorphose. Le temps s’imprime sur l’image fixe, dans les mouvements d’un corps, qui, petit à petit, s’épanouit. Chemin faisant, la jeune photographe Sandrine Laroche nous conduit aux frontières du réel et du mystère de soi.

L’épreuve du mirage

Peut-on attribuer à l’autoportrait les caractéristiques du portrait psychologique ? Nadar, en maître de la lumière qu’il était, s’y est essayé en modifiant l’expression de son visage selon des tonalités claires ou obscures jusqu’à décliner une variation de mimiques émotionnelles. Mais l’entreprise n’est pas simple, car elle suppose que les états d’âme puissent s’inscrire en marques visibles sur le corps et qu’alors, une lecture obvie de la psychè soit rendue possible. Sandrine Laroche a voulu affronter ce défi à partir de plusieurs stratégies visuelles. Dans la série Fantasmagories, elle rehausse par des signes de vie des tirages photographiques effectués à partir de radiographies. Avec la série De Profondis, elle applique son regard à fleur de peau : elle associe la beauté des formes du corps nu aux dégradations superficielles d’un mur délabré. Dans chaque image, la surimpression parfaitement maîtrisée modifie radicalement la surface de la peau, lui prêtant des lézardes, des fissures, des ébrèchements, des granulations et des déchirures qui, loin de paraître rapportées, se présentent comme des efflorescences ou des émergences d’une détérioration intime et profonde.

Aussi splendides que soient ces premières approches, elles ne constituent que les étapes d’un projet perfectible où le corps, seul en scène, projetterait lui-même quelques indices de lecture des passions de l’âme. Sandrine Laroche a développé cette nouvelle visibilité dans une série de photographies qu’elle intitule Mirage. Ce titre, qui peut paraître surprenant, constitue en réalité un guide de lecture des photographies, Continuer la lecture →

du 15 mars au 22 avril 2016

Vernissage le jeudi 17 mars 2016, en présence de l’artiste

” Souvent j’ai eu le sentiment de ne photographier que des décors de cinéma en attente du retour des acteurs. Est-ce dû à mon admiration pour ceux qu’Alexandre Trauner
a réalisés avec talent que je photographie ces paysages vides ? […]
Il me semble cependant que c’est dans ces instants dénués de nécessité que les lieux,
dans leur paisible vacuité, s’offrent à nous et laissent plus volontiers transparaître
leurs fonctionnements intimes…”

Pascal Michalon

Les focalises de Pascal Michalon

Le silence est un sujet de prédilection dans la photographie de Pascal Michalon. Ce qui le pousse à hanter les banlieues le dimanche ou les plages du Sud en hiver est cette même puissance d’attraction qu’exerce sur lui le brusque fading des endroits fréquentés. Sa visite photographique au Campus de la Doua, son lieu de travail quotidien, s’est effectuée suivant cette même intention, pendant les jours non ouvrables de l’été, aux heures où la vie semble s’être arrêtée. Seul, sans conversation possible avec quiconque, sans la gêne des déambulations des piétons et du trafic, il engage un dialogue par l’image avec cet endroit familier déserté.

A ne s’en tenir qu’aux points de vue d’ensemble, le Campus se présente comme un spécimen singulier de ce phénomène historique et social du « camp » : l’objectif peut se centrer n’importe où, il n’est de circonférence nulle part. Les vues d’ensemble portent la marque obsessionnelle de l’enfermement qu’on retrouve dans les lieux de détention ou de santé publique et l’absence d’un horizon unique laisse la place à une pluralité de limes délimitant des territoires aux superficies variables qui, pourtant, se ressemblent tous. A cela se rajoute une tendance générale à la monochromie, en dépit de quelques irruptions de verdure, variant entre gris et beige, et sur le plan graphique une domination des parallèles et des perpendiculaires qui affectent aussi bien le bâti que les lieux de déambulation. Tel est le cadre inamovible à l’intérieur duquel Pascal Michalon a réalisé sa série.

On peut admirer chacune de ces photographies sans faire référence à la réalité qu’elles illustrent…

… car les compositions chromatiques et graphiques du photographe produisent une multiplicité de tableaux anonymes qui ne renvoient qu’à sa propre vision. La restitution de cette vision personnelle s’accomplit tout d’abord par l’usage d’un format carré qui rassemble en une contiguïté choisie les éléments épars qu’il juge opportun de rapprocher. Le bleu délavé et délabré d’une place de parking pour handicapés apporte ainsi une lumière suave à l’alignement austère d’une enfilade de fenêtres closes par des stores grisâtres. Dans les recoins éloignés des allées principales, Pascal Michalon porte une attention singulière à des assemblages de matériaux dont les couleurs acquièrent dans son cadre une harmonie insoupçonnée. Un appentis bancal, appuyé sur trois au quatre parpaings, devient une pièce d’art abstrait grâce au bleu ardoise d’une façade qui le cache à la vue des passants. La porte jaune bordée de PVC blanc, le gris étain de son mur de placo et des carrés diversement découpés rutilent comme dans une peinture de Malevitch.