Archives de catégorie : Expositions

Sandrine LAROCHE – Mirage

du 7 juin au 26 juillet 2016

Vernissage le jeudi 9 juin 2016 à 18h30, en présence de l’artiste

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« Mirage » est une série d’autoportraits fantastiques et mouvants. L’être, rendu insaisissable par la longue pose, se métamorphose. Le temps s’imprime sur l’image fixe, dans les mouvements d’un corps, qui, petit à petit, s’épanouit. Chemin faisant, la jeune photographe Sandrine Laroche nous conduit aux frontières du réel et du mystère de soi.

L’épreuve du mirage

Peut-on attribuer à l’autoportrait les caractéristiques du portrait psychologique ? Nadar, en maître de la lumière qu’il était, s’y est essayé en modifiant l’expression de son visage selon des tonalités claires ou obscures jusqu’à décliner une variation de mimiques émotionnelles. Mais l’entreprise n’est pas simple, car elle suppose que les états d’âme puissent s’inscrire en marques visibles sur le corps et qu’alors, une lecture obvie de la psychè soit rendue possible. Sandrine Laroche a voulu affronter ce défi à partir de plusieurs stratégies visuelles. Dans la série Fantasmagories, elle rehausse par des signes de vie des tirages photographiques effectués à partir de radiographies. Avec la série De Profondis, elle applique son regard à fleur de peau : elle associe la beauté des formes du corps nu aux dégradations superficielles d’un mur délabré. Dans chaque image, la surimpression parfaitement maîtrisée modifie radicalement la surface de la peau, lui prêtant des lézardes, des fissures, des ébrèchements, des granulations et des déchirures qui, loin de paraître rapportées, se présentent comme des efflorescences ou des émergences d’une détérioration intime et profonde.

Aussi splendides que soient ces premières approches, elles ne constituent que les étapes d’un projet perfectible où le corps, seul en scène, projetterait lui-même quelques indices de lecture des passions de l’âme. Sandrine Laroche a développé cette nouvelle visibilité dans une série de photographies qu’elle intitule Mirage. Ce titre, qui peut paraître surprenant, constitue en réalité un guide de lecture des photographies, Continuer la lecture

Pascal MICHALON – Campus [hors saison]

du 15 mars au 22 avril 2016

Vernissage le jeudi 17 mars 2016, en présence de l’artiste

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 » Souvent j’ai eu le sentiment de ne photographier que des décors de cinéma en attente du retour des acteurs. Est-ce dû à mon admiration pour ceux qu’Alexandre Trauner
a réalisés avec talent que je photographie ces paysages vides ? […]
Il me semble cependant que c’est dans ces instants dénués de nécessité que les lieux,
dans leur paisible vacuité, s’offrent à nous et laissent plus volontiers transparaître
leurs fonctionnements intimes… »

Pascal Michalon

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Les focalises de Pascal Michalon

Le silence est un sujet de prédilection dans la photographie de Pascal Michalon. Ce qui le pousse à hanter les banlieues le dimanche ou les plages du Sud en hiver est cette même puissance d’attraction qu’exerce sur lui le brusque fading des endroits fréquentés. Sa visite photographique au Campus de la Doua, son lieu de travail quotidien, s’est effectuée suivant cette même intention, pendant les jours non ouvrables de l’été, aux heures où la vie semble s’être arrêtée. Seul, sans conversation possible avec quiconque, sans la gêne des déambulations des piétons et du trafic, il engage un dialogue par l’image avec cet endroit familier déserté.

A ne s’en tenir qu’aux points de vue d’ensemble, le Campus se présente comme un spécimen singulier de ce phénomène historique et social du « camp » : l’objectif peut se centrer n’importe où, il n’est de circonférence nulle part. Les vues d’ensemble portent la marque obsessionnelle de l’enfermement qu’on retrouve dans les lieux de détention ou de santé publique et l’absence d’un horizon unique laisse la place à une pluralité de limes délimitant des territoires aux superficies variables qui, pourtant, se ressemblent tous. A cela se rajoute une tendance générale à la monochromie, en dépit de quelques irruptions de verdure, variant entre gris et beige, et sur le plan graphique une domination des parallèles et des perpendiculaires qui affectent aussi bien le bâti que les lieux de déambulation. Tel est le cadre inamovible à l’intérieur duquel Pascal Michalon a réalisé sa série.

On peut admirer chacune de ces photographies sans faire référence à la réalité qu’elles illustrent…

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Aurélie PÉTREL – Simulation

du 26 janvier au 5 mars 2016 

Galerie DOMUS et Enssib

Vernissage le mercredi 27 janvier 2016, en présence de l’artiste :

  • Enssib : 17 h 30
  • Domus : 18 h 30

Exposition présentée en collaboration avec :
la Galerie HOUG et Les Turbulences-FRAC Centre

 » Aurélie Pétrel questionne l’image photographique, ses modes de production, sa (re)présentation et son activation sous forme d’installations. Posant la notion de « partition photographique »,  l’artiste impulse un travail d’écriture étiré dans l’espace et le temps, où chaque prise de vue prend son sens et se constitue en tant que création matérielle « à venir ». Ce travail de mise en mouvement de l’acte photographique tient pour Aurélie Pétrel du cheminement de l’expérience et de la pensée ; il présuppose une conscience toujours en éveil, cherchant à saisir, au gré des rencontres et des situations, de possibles voies d' »activation » de ses prises de vues. Conservées à l’état « latent » sous formes de fichiers numériques ou de tirages classés dans des boîtes phibox, celles-ci sont, le moment venu, transposées à une échelle tridimensionnelle, l’artiste opérant un transfert de la planéité au volume et à l’architecture.

Les dispositifs conçus par Aurélie Pétrel assimilent l’espace à un savant jeu de construction où l’architecture participe d’une expérience multiple et stratifiée de la vision. Sujet omniprésent de ses compositions depuis les débuts (paysages ou éléments de mobilier urbains,  bâtiments industriels,  scènes d’intérieurs…), l’architecture intervient de fait comme outil de définition et de structuration des dispositifs de l’artiste, à partir duquel se construit pour le visiteur un parcours d’expérience et de visibilité. Mais en connectant ainsi l’image, le système d’activation qui la supporte, et l’espace d’exposition, l’architecture est aussi facteur d’indétermination, brouillant les limites entre sujet, objet et environnement.

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Galerie Domus :

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© Aurélie Pétrel

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Vue d’exposition – Atelier Rouart, Paris, 2015

Enssib :

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© Aurélie Pétrel

 Table Simulation #01, 2015

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Œuvre conçue en collaboration avec l’équipe du FRAC Centre – Val de Loire,
dans le cadre du projet de programmation Relief(s) d’avril à septembre 2015

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Formellement inspiré de la pièce « Partition : explosion » (Galerie Houg, 2015), ce dispositif marque une nouvelle étape dans la pratique d’Aurélie Pétrel, qui intègre ici pour la première fois des œuvres d’autres créateurs à ses installations. Elle chemine au contact d’une collection dédiée à l’architecture expérimentale (qu’elle définit comme une source d’inspiration essentielle dans son parcours personnel) ; une collection d’objets avec laquelle composer, distincte de sa propre banque d’images, mais qui comme celle-ci,  envisage l’artefact dans une dimension prospective, dans un devenir espace.

En septembre 2015,  après le démontage de l’exposition et dans le cadre du mini-festival venant clore le cycle Relief(s), Aurélie Pétrel réinvestit son dispositif en substituant aux œuvres de la collection des traces de son passage aux Turbulences-Frac Centre.  Deuxième temps d’activation, « Table simulation #2 » synthétise 8 mois de collaboration et de prises de vues sous forme d’impressions sur divers supports et de tirages, rendus « visibles » sur l’ensemble des plans ou conservés dans des boîtes d’archives, préfigurant un principe combinatoire et performatif.

L’intérêt marqué de l’artiste pour le langage, les pratiques et les conventions muséographiques y transparaît dans plusieurs séries d’images, saisissant les changements d’état des oeuvres, de la réserve à la galerie, du meuble à plans à la cimaise, puis enregistrant le mouvement inverse. La réserve, espace latent de la collection, où s’originent et aboutissent ses activations matérielles, constitue pour l’artiste un lieu paradigmatique autant qu’un théâtre d’interventions. L’équipe du Frac s’est donc prêté au jeu proposé : rendre visible et activer 10 pièces de la collection le temps d’une séance de prises de vue. Le déplacement puis l’ouverture des caisses par le régisseur, la manipulation des oeuvres et leur examen par le chargé des collections et les commissaires, prend la forme d’une chorégraphie où s’entremêlent la procédure, le geste et le savoir-faire. »

Emmanuelle Chiappone-Piriou et Aurélien Vernant
Commissaires des expositions, Cycle « Relief(s) », Les Turbulences-Frac Centre, 2015

Aurélie PÉTREL

née en 1980, vit et travaille à Paris et Genève
outre son travail de création, elle est, depuis 2012, professeure et responsable du Pool Photo, HEAD, Genève
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Cédric VIGNEAULT – Dans l’oeil de Naples

du 1er décembre 2015 au 15 janvier 2016

Vernissage le jeudi 3 décembre 2015 à 18h30, en présence de l’artiste

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© Cédric Vigneault

Naples, née Parthénope, se nourrit de mythologie depuis sa création et alimente un panthéon au culte vivace. Les figures sont parfois religieuses comme Saint Janvier ou Padre Pio. Mais le plus souvent elles relèvent d’une forme d’animisme : les crânes, Maradonna, le cheval de Virgile, les chanteurs neo-melodico ou encore la camorra.

© Cédric Vigneault

 Qui arpente les rues se retrouve au centre de cette spiritualité polymorphe, de cet « Oeil de la Providence » (tel que le qualifie l’écrivain Gustav Herling) qui peut tour à tour se révéler bienveillant ou funeste. On l’enrichit de ses propres fantasmes et à chaque pas on se laisse porter dans l’inconscient d’une ville.

 Dans l’oeil de Naples est composé de 30 photographies et d’un film (montage de sons pris à Naples et de photographies).

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© Cédric Vigneault

 

Cédric Vigneault est photographe depuis mai 2002. Il a réalisé et exposé différents travaux dont « Ceci n’est pas Cuba », « Veni vidi vixi », « Taccuino veneziano », « Chroniques parisiennes », « Camp de concentration pour population tsigane de Montreuil–Bellay », « La peau de Brest »,
« La salle des pas perdus…pour tout le monde ».

Christophe Guery – Le Corbusier, espaces communs, espaces partagés

du 22 septembre au 30 novembre 2015

en résonance avec la Biennale de Lyon 2015
Vernissage le 22 septembre 2015 à 18h30, en présence de l’artiste

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© Christophe Guery, avec l’aimable autorisation de la Fondation Le Corbusier

« Les cousins les plus proches des photographes sont les architectes. (…) 
Comme nous ils naviguent entre les pleins et les vides, dans les questions de lumière, de lignes et de mouvement ; dans la recherche de cohérence entre son propre 
mode de vie, son idéologie,son histoire. Et tout cela finit par se relier. 
(…) la photo a le pouvoir de produire  des images (…) qui sont des fractions 
de secondes qui racontent des histoires complètes.»

Sebastião Salgado,
De ma terre à la terre, chemin faisant,  
Presses de la Renaissance, 2013

 

Ces mots accompagnent parfaitement la fascination du photographe Christophe Guery pour
Le Corbusier. Il nous invite ainsi aujourd’hui dans ces lieux souvent mal regardés, mal vus,
que sont les passages, les entre-deux…  Modelant les ombres et les lumières, il nous fait circuler dans les couleurs chères à l’architecte.
Si ses photos nous imposent une approche parfois brutale, elles révèlent aussi son cheminement vers une abstraction poétique et des obsessions de lignes.
Espaces communs, partagés, espaces sans qualités ?

 

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© Christophe Guery, avec l’aimable autorisation de la Fondation Le Corbusier

C’est vrai, j’ai toujours cette fascination pour le côté désuet des couloirs, des boîtes aux lettres, des signalétiques… tout autant que pour les lignes dépouillées qui ouvrent sur l’ailleurs.
De lieux en lieux ce sont ces passages qui m’attirent de jour comme de nuit. Certains nous enferment dans leur silence sombre, pourtant irradié par des touches rouges ou jaunes. D’autres nous perdent entre dedans et dehors, trompés par les transparences. D’autres encore ouvrent sur des couleurs lumineuses et nous conduisent en plein soleil. L’inattendu nous surprend souvent.
Le jeu des lignes et des couleurs donne vie… Des objets extraordinaires
– comme la lampe de Xenakis – s’invitent sur le parcours.

De l’ombre à la lumière nous sommes dans l’œuvre, le regard captivé de l’intérieur ou tourné vers l’extérieur. Oubliant l’apparente neutralité des lignes de béton, la luminosité du blanc méditerranéen, je jette un dernier regard de l’extérieur, sur les ouvertures colorées et ce cheminement résonne avec mon propre parcours, ma quête d’ouverture…

Christophe Guery

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© Christophe Guery, avec l’aimable autorisation de la Fondation Le Corbusier

Nicolas Coltice – Fragments du sensible

du 9 juin au 24 juillet 2015
Vernissage le mardi 9 juin à 18h30

photo_site_nicolas » Présence attentive et silencieuse, Nicolas Coltice promène son regard comme dans un film devant une réalité par définition imposée. Derrière le viseur, se tenant toujours à respectueuse distance, il transforme cette matière pour la rendre intime et faire naître des moments sensibles où la couleur est absente, comme pour ne garder – et ne montrer – que l’essentiel. Un essentiel qu’il faut chercher au fond de soi autant que sur l’image. De ces bouts de film, de ces séquences, des ces images, parfois sous l’apparence de la banalité, il sourd une poésie, à la fois ténue et prégnante, pour qui sait en franchir le seuil. Nicolas Coltice finit par nous guider vers une réalité qui est la sienne et dans laquelle il faudrait bien se rappeler, à l’instar de Gilles Deleuze, que « l’ordre apparent peut être renversé ».

Marie Noëlle Taine

Nicolas Coltice a 39 ans, il est professeur à l’Université Claude Bernard Lyon 1, en géologie…

Claudine Doury – Loulan Beauty

Du 16 mars au 24 avril 2015

Galerie DOMUS
Rencontre avec l’artiste le mercredi 8 avril à 12h45

©Claudine Doury/Agence VU'/La Galerie Particulière

©Claudine Doury/Agence VU’/La Galerie Particulière

Le projet Loulan Beauty de Claudine Doury prolonge l’approche documentaire qu’elle a menée dans l’ancienne Union Soviétique, particulièrement en Sibérie et en Ukraine. Le nom d’emprunt de cette série photographique fait tout d’abord référence à un ancien royaume situé aux confins de l’Asie Centrale et de la Chine, dans l’actuelle province de Xinjiang, mais aussi au surnom donné à l’une des quelques deux cents momies découvertes en parfait état de conservation dans cette région à la fin du 20ème siècle.

Loulan Beauty est une femme aux cheveux longs, aux pommettes saillantes et au nez proéminent, ce qui ne lui confère pas les caractéristiques physiques du type chinois et, pour ces raisons elle est l’innocente responsable de disputes contemporaines, historico-politiques, destinées à répondre à la question : quels furent les premiers habitants de ces contrées inhospitalières de la Chine de l’Ouest ?

Plus de quatre mille années séparent le reportage photographique de cette découverte archéologique et le titre choisi par Claudine Doury est un repère temporel qui mesure l’étendue de son observation : dans une visée diachronique, la photographe part à la recherche des ethnies multiples qui se sont succédées au cours des millénaires et qui ont laissé leur empreinte dans la culture d’aujourd’hui.

Loulan Beauty représente aussi le symbole qui illustre la démarche documentaire de Claudine Doury, et de son point de vue féminin dans le reportage qui se remarque sur le plan méthodologique, tout d’abord : la photographe ne se contente pas d’une simple visite auprès des habitants du Kazakhstan ou de l’Ouzbékistan, elle partage la vie quotidienne des communautés féminines qu’elle fréquente sur le long terme. Les prises de vue sont l’aboutissement d’un apprentissage sur le terrain des modes de vie et du travail des personnes qu’elle côtoie. Sur le plan des sujets photographiés, on remarque une attention particulière portée à la condition féminine : on peut voir, en effet, de jeunes femmes appliquées à la confection de vêtements poursuivant des usages ancestraux. Et, dans le fil narratif de son parcours, des portraits de petites filles en tenue d’écolière ou d’adolescentes pensives sont pris de manière frontale et constituent des moments de recueillement ou de réflexion dans l’histoire de la condition féminine.

La forme narrative de cette approche documentaire tient aussi au fait que le passé semble toujours persistant dans le présent photographié. On remarque les effets miroirs produits par des images dans l’image : La Famille de Silkhon, par exemple, représente un mur recouvert de photographies de différentes époques, ou la petite Madina qui pose en un plan rapproché tenant dans ses mains un portrait de sa mère. Mais pour Claudine Doury, les couleurs et la lumière qu’elle recueille de façon très personnalisée permettent une retranscription poétique de la vie qui semble défier le temps : couleurs parfois crayeuses comme dans certaines vues en technicolor d’autrefois ou fortement contrastées quand dans une même photo le registre pastel s’allie aux tonalités les plus vives.

Dans Loulan Beauty la photographie accompagne bien un périple géographique – le voyage qu’effectue la photographe en Asie Centrale – mais elle se lance à travers tous les moyens qui lui sont propres dans une traversée du temps. Les paysages qui jalonnent cette série ne sont pas seulement le décor contextuel des histoires de vies mais des espaces en mutations, comme la mer d’Aral devenue désertique ou ces minarets qui surplombent le déluge de sable écoulé dans ces terres depuis des siècles.

Le projet photographique de Claudine Doury intervient lui-même dans une période de transformation liée à la chute de l’Empire soviétique qui favorise les retours à la tradition. Ces changements politiques récents inspirent à la photographe une géo-poétique, un conte d’images où les souvenirs archaïques affleurent au présent pour construire le rêve d’un avenir incertain.

Robert Pujade

 

Chris Fernie – Lumi-naissance

Du 22 janvier 2015 au 6 mars 2015
Vernissage le Jeudi 22 janvier à 18H30

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©C Fernie

 

Il y a des jours dans la nuit…

Il suffit d’un rien, d’une matière sombre, pour re-trouver les choses inachevées, l’impossible visibilité, les non-dits, les secrets, les mots qui se cachent derrière les mots, l’image dans l’image, l’écume des pages, les choses souterraines.

Il suffit d’un rien pour ouvrir le monde à un regard…

Les silences de l’imagerie sont aussi signifiants que leurs constructions. Re-venir sur mes pas, refaire le chemin déjà parcouru jusqu’à en perdre le souvenir. L’image dans l’image me trouble, la vie dans la vie m’interpelle. Un je ne sais quoi, un presque rien me touche…

– Chris Fernie*

Métamorphoses urbaines

Le temps est loin, aujourd’hui, où l’on interrogeait les œuvres de photographe à partir de leurs sujets de représentation pour les classer, à partir de cet inventaire dans un genre. A ne s’en tenir qu’à leur sujet, les images de Chris Fernie relèveraient de la Street photography et selon cette classification impossible à démentir, nous serions privés d’une intention tout autre que laisse transparaître le régime de visibilité de ses œuvres.

Plus que la rue et les événements humains qui s’y déroulent, les lumières et les ombres offrent à ce regard photographique des découpages graphiques et des espaces multiples destinés à l’éclosion de la couleur. C’est la nuit, tout particulièrement, que Chris Fernie trouve « sa » couleur, quand les éclairages urbains reflètent brillamment sur l’asphalte humide une dorure sombre qui dégage une atmosphère inquiétante. Il suffit alors que le cadrage porte sur un détail – une mallette tenue en main par un inconnu dont on ne discerne que le pas – pour qu’on se prenne à imaginer une histoire sombre de rançon, de trafic de faux billets, de malversations secrètes ou frauduleuses.

L’inquiétude se nourrit des couleurs bleuâtres d’un passage de gare routière où l’homme qui marche, vu à contrejour, semble s’acheminer vers un destin funeste ; des reflets rougeâtres provoqués par l’embrasure d’une porte ouverte confèrent à une bouche d’égout l’allure d’un objet non identifié. Par le cloisonnement des couleurs nocturnes, Chris Fernie dégage une impression d’étrangeté qui s’apparente à ce que Pierre Mac Orlan appelait le « fantastique social » quand il commentait les photographies d’Atget. Mais la même approche coloriste produit parfois un effet inverse comme cette ombre portée d’un feu tricolore sur un mur qui dessine la silhouette de trois pieds nickelés rigolant au spectacle du petit bonhomme rouge luminescent chargé d’arrêter le passage des piétons.

Au-delà de ces connotations multiples, le choix de la couleur est aussi dans cette œuvre l’occasion de développer une série de tableaux abstraits créés par la nuit. Les reflets des vitrines, les lettrages des commerces, les accumulations de chaises dans des bars fermés et tant d’autres détails surpris au hasard de la promenade photographique, multiplient les bigarrures dans une vision kaléidoscopique. Certaines vues se situent aussi à la limite du monochrome quand la prégnance de la couleur est telle qu’elle affadit le contour des vivants et des choses. Ce sens de la couleur se retrouve aussi dans les photographies en noir et blanc où l’ombre maîtresse est le prétexte à jouer une variation de nuances sur une gamme qui va du noir profond au gris le plus clair.

La rue est donc le territoire où Chris Fernie s’aventure pour dénicher, dans les lueurs que tolère la nuit ou le contrejour, la matière de ses rêves. En s’appropriant la définition de la lumière dans une visibilité qu’il recrée sans cesse, ses photographies ressuscitent le pouvoir de la couleur.

Robert PUJADE

Marc Riboud – Gens des Gratte-Ciel 50+30

du 9 décembre 2014 au 16 janvier 2015
Vernissage le 9 décembre à 18h30

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© Marc Riboud – 1984

Pour revoir, trente ans après, la série d’images commandée à Marc Riboud en 1984
par la Ville de Villeurbanne et la Fondation Nationale de la Photographie,
à l’occasion du cinquantième anniversaire des Gratte-ciel.

 

Luca Gilli – Blank

du 23 septembre au 21 novembre 2014
Vernissage le 23 septembre à 18h30 en présence de l’artiste

« … Comme la page blanche qui fait ressortir les caractères d’imprimerie, le blanc des images de Gilli est non seulement d’une infinie variété mais il peut servir d’écrin et de faire-valoir aux autres couleurs…

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… Ici et là, la surface blanche sans profondeur de ces espaces en chantier est perturbée par des points colorés : gaines électriques, taches de peinture, outils et instruments de chantier, éléments de mobilier… Tous ces motifs sans modelé ni volume, objets réduits à de simples silhouettes sans profondeur viennent scander l’aplat principal de la composition. Souvent incongrus ou insolites dans l’espace qui les entoure ils apparaissent comme rapportés et sans contiguïté physique évidente avec leur environnement. Évoquant la manière de dessins d’enfants ou de certains collages ou photomontages, ces éléments renforcent l’ancrage graphique de ces images tout en accentuant leur irréalisme.

Que cette entreprise de destruction par la lumière de l’espace perspectif traditionnel soit accompli dans un lieu en construction n’est pas le moindre des paradoxes. Les images de chantier nous parlent le plus souvent d’histoire et de progrès. Bouleversant l’esthétique souvent rassurante qui est la leur – celle d’un espace en devenir qui porte en soi sa finitude et son achèvement futur – les vues de Gilli proposent un autre espace dans lequel irréalité et immatérialité se conjuguent et se confondent. Un espace où le blanc hygiénique d’une certaine architecture contemporaine se mue en un blanc transcendant, primordial. Un espace où l’excès presque aveuglant de lumière nous restitue comme une certaine innocence et une certaine naïveté du regard.

Quentin Bajac chef du cabinet de la photographie
Centre Pompidou et Musée national d’art moderne Paris

Luca Gilli

est né en 1965. Il vit et travaille à Cavriago dans la province de Reggio Emilia. Docteur ès Sciences Naturelles à L’Université de Parme, il travaille, depuis plusieurs années comme photographe et consultant dans le domaine de l’environnement et de la faune au service des parcs naturels, des écoles et des instituts universitaires… lire la suite

Simultanément à l’enssib, en partenariat avec la Galerie Domus :
Islanda
Photographies de Luca Gilli